Pass[i]oni

“Essere americani. Morire americani. L’omicidio di JFK” di Paolo Colombo

Riprese di Matteo Aldi 4E e Stefano Donna 5AS

Montaggio di prof. Tomaso Brucato

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A cura di Enea Barberis Jalla

Durante il viaggio di ritorno, forse un po’ stanca e provata dall’umidità milanese, la scolaresca ripensa alla giornata trascorsa.

Due mostre in un giorno possono essere impegnative ma in questo caso danno l’opportunità di confrontare a mente fresca l’operato di artisti dagli stili differenti ma tra loro contemporanei.

La prima mostra, riguardante gli Irascibili e la scuola di New York, presenta diversi spunti di riflessione.

Il poco lusinghiero nome venne dato a questo gruppo in seguito ad una lettera da loro scritta all’allora direttore del Metropolitan Museum of Arts, nella quale espressero il loro disappunto per essere stati esclusi da un’importante mostra d’arte che questi aveva organizzato.

Tra le caratteristiche fondamentali del loro stile, lo spostamento della posizione della tela da verticale sul cavalletto ad orizzontale a terra, l’abitudine di intervenire sul supporto da tutti i lati e la quasi totale assenza, nella maggior parte dei casi, di una forma definita del soggetto.

Prendendo ad esempio i due quadri di Pollock, preambolo dell’esposizione, si intuisce un profondo senso di conflitto, chiaramente originario della mente dell’autore, che lo stesso trasferisce sulla tela come una sorta di cura tesa all’eliminazione di un male radicato nella psiche.

Partendo dal presupposto per cui l’opera non è solamente il prodotto finale ma anche il processo intrapreso dall’artista per portarla a termine, possiamo presupporre che l’operato di Pollock e dei suoi colleghi sia stato anche una forma di esplorazione di loro stessi e di ricerca della propria natura recondita.

Pensando alla crisi che colpì gli artisti del secondo dopoguerra, causata dall’apparente mancanza di prospettive seguita alla consapevolezza della vastità delle possibilità esplorate dalle Avanguardie loro precedenti, appare comprensibile come l’espressione artistica degli Irascibili sia stata così atipica ed effettivamente astratta.

Pur non essendo certo degli esempi di rettitudine, visto il consumo da parte di molti di loro di alcool e stupefacenti in quantità notevoli, sono comunque considerati una fase fondamentale dell’arte del XX secolo.

La mostra su Andy Warhol risulta più nutrita della precedente. Si presuppone questo dipenda da una maggiore facilità nel reperire opere di questo autore, piuttosto che di altri.

Obiettivo di Warhol, che iniziò la sua carriera come grafico pubblicitario per la rivista Glamour, era un’arte basata su soggetti facilmente riconoscibili dalle masse.

Da qui deriva l’impiego delle foto di star, delle banconote da un dollaro e delle scatolette della Zuppa Campbell.

Da notare il fatto che la scelta di questi ultimi soggetti derivò anche dal suo desiderio di mettere qualcosa di assolutamente personale nelle sue opere.

Essendo in dubbio su come muoversi, gli venne consigliato di usare qualcosa da lui molto amato. Per questo motivo elesse la Zuppa Campbell (si dice ne mangiasse tre confezioni al giorno) e naturalmente anche i dollari, altra sua irrefrenabile passione.

Vastissimo risulta l’impiego della serigrafia, utilizzata nella rielaborazione di fotografie di personaggi famosi (Elvis Presley, Mao Tze Tong, Marilyn Monroe…) e nella loro riproduzione in serie.

Tra le opere, è stata anche inserita un’esposizione di polaroid da lui scattate a varie star oltre che a sé stesso, anche se in diverse versioni di travestito.

Colpisce il racconto dell’episodio riguardante alcuni dei famosi quadri di Marilyn Monroe, secondo cui un giorno alla Factory di Warhol, una donna iniziò a sparare alla testa dell’attrice, riprodotta in diverse versioni. Sfuggono le ragioni che spinsero la signora ad un tale folle gesto.

Ad ogni modo sappiamo che diventò una tradizione, poiché qualche tempo dopo un’altra donna ebbe un’idea simile, ma scelse un altro bersaglio, Warhol stesso.

L’artista rimase gravemente ferito e si racconta che il cuore cessò di battere per qualche istante prima che i tentativi di rianimarlo avessero successo.

Si  trattò sicuramente di un’esperienza tremendamente provante, tanto da spingerlo a ridurre drasticamente l’uso di sostanze stupefacenti. Si presume si sia reso conto che al mondo vi sono già abbastanza probabili cause di morte, senza andarsene a cercare altre.

Parte della critica asserisce che l’abbandono delle sostanze fu la causa di alcuni cambiamenti nella sua arte.

A concludere la sua carriera però non furono né le pallottole né gli stupefacenti, bensì un’anestesia eccessiva, da lui stesso richiesta, per un intervento chirurgico di media entità.

Uno degli artisti più noti al mondo, morì dunque sotto i ferri, a seguito di una precauzione eccessiva da lui presa, paradossalmente, proprio per sfuggire alla morte.

La maggior parte degli studenti è rimasta favorevolmente impressionata più dalla mostra su Andy Warhol che da quella sugli Irascibili.

Ciò nondimeno, non scarseggiano neppure gli apprezzamenti nei confronti del lavoro di Jackson Pollock e dei suoi colleghi.

Si prende nota della spensieratezza delle classi quinte che, evidentemente poco impressionate dalla prova che le attende a fine anno, dimostrano durante il viaggio di ritorno, discutibilissime capacità canore.

Altresì, l’alto volume dei canti da osteria, mette a repentaglio la salute mentale di chi gradirebbe passare due ore in un pullman e non in un pollaio.

Di Carolina Bertello e Carola Nicola – Liceo classico N. Rosa

Pierre-Auguste Renoir è stato uno dei maggiori esponenti dell’Impressionismo e il suo percorso artistico si sviluppa per oltre un cinquantennio, culminando in una monumentale raccolta che comprende oltre cinquantamila quadri. Sessanta di queste opere sono esposte nella Galleria d’Arte Moderna (GAM) di Torino fino al 23 febbraio 2014. Tale mostra ha lo scopo di rievocare tutta l’attività di Renoir attraverso un allestimento tematico-cronologico. È articolata in otto sezioni.

Nella prima è rappresentata l’Età della Bohème, periodo in cui Renoir conosce e frequenta Alfred Sisley, Frédéric Bazille e Claude Monet, ed è proprio con quest’ultimo che dipinge usando la tecnica “en plein air”, elemento caratterizzante di tanti suoi quadri, soprattutto nelle opere paesaggistiche.

La sezione successiva è dedicata a meravigliosi ritratti femminili in cui Renoir rappresenta soggetti di ogni estrazione sociale: ballerine, operaie e borghesi, caratterizzate da una leggiadria e finezza tipica del ‘700. Tra questi magnifici dipinti troviamo: Madame Darras (1868 ca), La liseuse (1874-1876), Giovane donna con veletta (1870 ca), Madame Georges Charpentier (1876-1877), Femme au jabot blanc (1880), Giovane donna seduta (1909), e altri ancora.

La terza sezione presenta dieci opere di paesaggio, realizzate con la tecnica “en plein air”. Esse sono rappresentazioni di vedute in cui si percepisce l’attrazione dell’artista per la natura. All’interno della collezione di questi dipinti celebri sono: La Senna ad Argenteuil (1873), Il sentiero nell’erba alta (1876-1877), La Senna a Champrosay (1876), Il ponte della ferrovia a Chatou (1881), sino a Paesaggio a Cagnes (1915 ca).

Nella quarta sezione sono esposte opere il cui tema è l’infanzia, tra cui vi sono anche alcuni ritratti di fanciulli e giovani ragazzi. Ricordiamo il più famoso raffigurante Claude Renoir, il figlio di Renoir Il clown.

La quinta sezione ospita alcune scene di vita moderna e diletto, come scene ludiche o tipiche della vita mondana parigina. Tra questi ricordiamo La balançoire, ovvero l’altalena, Ballo in campagna e Ballo in città.

La sesta è una piccola sezione in cui sono raccolte le nature morte, uno dei temi in cui l’artista ha affermato di aver sperimentato maggiormente tonalità e valori.

La settima sezione è dedicata ai nudi, tema molto caro al pittore. Tra queste opere cinque sono quelle emblematiche, dipinte nell’ultimo periodo della sua vita, tra il 1906 e il 1917: Femme nue couchée, Grand nu, La toilette, Nudo di donna visto di spalle, Odalisque dormant e una imponente scultura in bronzo, l’unica opera plastica in mostra, Eau.

La chiusura della mostra è dedicata all’ultimo fondamentale capolavoro di Renoir Le Bagnanti, considerata il testamento pittorico di Renoir.

Tra tutte le opere esposte vorrei soffermarmi sui due Balli, in città e in campagna. Entrambi i dipinti vennero commissionati a Renoir nel 1872 dal mercante Paul Durand-Ruel, che specificò anche il tema che dovevano trattare, il ballo appunto. L’anno successivo l’artista creò queste due tele, l’una il contrapposto dell’altra, e fin dalle prime mostre furono esposte vicine per volere dello stesso Renoir.                                                     

I due quadri sono dello stesso formato e i personaggi, praticamente a grandezza naturale, rappresentano due aspetti diversi, addirittura antitetici del ballo. All’eleganza discreta dei ballerini di città, all’austerità del salone in cui si esibiscono, si contrappone la vivacità della danza di campagna all’aria aperta.
La coppia trascinata dalla musica in Ballo in campagna non si è forse alzata da una tavola non ancora assettata e il cui disordine è accentuato dal cappello caduto in terra in primo piano? La lista delle contrapposizioni tra i due pannelli potrebbe continuare e riguardare perfino la gamma di colori, fredda per l’abito di Suzanne Valadon, la modella di Ballo in città, calda per Aline Charigot, futura sposa di Renoir, che presta i suoi lineamenti sorridenti alla ballerina di campagna. Tuttavia, al di là di queste differenze, le due coppie sembrano unite da uno stesso movimento, come se ciascuna impersonasse una sequenza di uno stesso ballo.
Questi due quadri mostrano l’evoluzione del pittore agli inizi degli anni Ottanta del XIX secolo. Il disegno diventa più preciso e la semplificazione della tavolozza rompe con le pennellate vibranti delle tele anteriori. Renoir stesso confessava che questa maggiore attenzione per il disegno corrispondeva ad un’esigenza di rinnovamento nata dopo che l’artista aveva avuto la possibilità di ammirare le opere di Raffaello in Italia.

recensione di Gabriele Artusio, 4E

TITOLO ORIGINALE USA: The Butler                                                                                REGISTA: Lee Daniels                                                                                                    PRODUTTORE: Lee Daniels, Buddy Patrick, Laura Ziskin, Cassian Elwes

CASA DI PRODUZIONE: Salloway Rubenstein production, Windy Hill pictures                                                                                                                                                                                                                SCENEGGIATURA: Lee Daniels, Danny Strong                                                                           COLONNA SONORA:  Rodrigo Leao                                                                                            COSTUMI: Ruth.E Carter                                                                                                            DURATA: 132 minuti                                                                                                                     CAST: Forest Whitaker, John Cusack, Robin Williams, Alan Rickman, Oprah Winfrey,Minka Kelly, Jane Fonda

Dopo il travolgente successo di “the Help” nel 2011, “the Butler, un maggiordomo alla Casa Bianca” segna quello che possiamo considerare un secondo capitolo di un nuovo filone cinematografico incentrato sulla questione razziale negli Stati Uniti. Alla regia troviamo Lee Daniels, produttore di “Precious”(2009) ed alla produzione Danny Strong, che da attore si è lanciato nel mondo del cinema come produttore e sceneggiatore.

TRAMA

La storia prende in considerazione un lungo arco dei tempo, dal lontano 1926 al 2008, in questi 82 anni Cecil Gaines (Forest Whitaker) nato schiavo nelle piantagioni di cotone della Georgia, diventa “negro di casa“, poi cameriere ed infine, notato da alcuni politici a Washington D.C, riceve il più prestigioso degli incarichi: maggiordomo alla Casa Bianca. Siamo nel 1957 quando Cecil inizia la sua carriera sotto Dwight Eisehnower (Robin Williams), e Cecil diventa testimone oculare di tutto quanto accade nella Casa più famosa e chiacchierata del mondo, dalle decisioni legislative ai 152 paia di scarpe di Jacqueline Bouvier (Mrs.Kennedy, Minka Kelly), ma la sua carriera avrà serie ripercussioni sulla famiglia ed alla fine sarà costretto a fare una scelta…

UN AFFRESCO STORICO

Film storico e biografico, “The Butler”, ripercorre quasi interamente l’ultimo secolo di storia dell’America, dando una versione della storia a stelle e strisce abbbastanza coerente, ma con alcune imprecisioni. Per iniziare, occorre confrontare il film con altre pellicole “colleghe” come il già citato “The Help”, il recente (e pesante) “Lincoln” e cercare di discostarlo dal mediocre “il Sapore della vittoria” (2000), prodotto Disney dove la questione razziale era più imposta che proposta…

E’ un film decisamente diverso da “the Help” per molti aspetti, l’ironia, che contraddistingueva la pellicola di Kathryn Stockett, è rimpiazzata da un amaro e crudo realismo (a cominciare dalla primissima scena dove il piccolo Cecil – Michael Rainey – vede il proprietario della piantagione violentare la madre ed uccidere a sangue freddo il padre), non di rado molte scene mettono fortemente a disagio ed alle volte la farsa si inserisce nella tragedia (una scena che gli appassionati dei film di Thomas Millian e Bombolo troveranno alquanto famigliare).

La sceneggiatura e la scenografia in compenso, sono eccezionali: dalla piantagione della Georgia, alla scoppiettante Washington D.C tra gli anni ’50 e ’80 alle strade del Tennesse, insanguinate dalle proteste e manifestazioni (agghiacciante – in senso buono – la scena dell’attacco del Ku Klux Clan). La produzione crea un’immagine dell’America a due facce: una che tenta di presentarsi come la più grande salvezza del mondo, come un nuovo Messia; l’altra attanagliata da proteste, crisi e disuguaglianze sociali. 132 minuti sono perfetti per rendere il film godibile anche per chi di solito non ama il genere, senza renderlo un filmuccio della domenica pomeriggio, nè un polpettone storico adatto solo a stomaci di ferro (che era il grande difetto di Lincoln).

ATTORI

Il cast è in generale molto buono, a cominciare dei due protagonisti assoluti Cecil (Whitaker) e sua moglie Gloria (Oprha Winfrey), che ci mostrano la vita di una famiglia di colore nel periodo 50-80 tra i loro alti e bassi (e strappando anche qualche sorriso, con il loro vestito da discoteca); non male i figli Charlie (Elijah Kelly) e Louis (Daniel Oyelowo), così così la ragazza di Louis (scusate non me la ricordo, ma ha lo stesso atteggiamento di Mila Kunis). Gli attori dei vari presidenti e delle first Ladies, sono invece quelli  che hanno avuto le maggiori critiche, in bene e in male: partiamo quindi con la classifica dei presidenti:

1° RONALD REAGAN:

Penultimo ad apparire (c’è un breve cameo di Obama), al 40° presidente degli Stati Uniti, presta il volto Alan Rickman (lo storico Severus Piton degli otto Harry Potter). A parte la somiglianza straordinaria, Rickman riporta in vita anche il carattere del presidente in maniera impeccabile: la ciliegina sulla torta è Nancy Reagan (Jane Fonda), anche lei quasi identica nel fisico e nel carattere.

2° DWIGHT EISEHNOWER:

Il primissimo presidente incontrato, interpretato da Robin Williams (il prof. Keating, in “L’attimo fuggente”) dà anch’esso una buona versione del presidente in bilico tra l’accettare il cambiamento o rifiutarlo; non è il migliore Robin Williams ma va bene, buona anche la first Lady

3° JOHN FITZGERALD KENNEDY.

Qui incominciano i problemi, Marsden è molto, anzi molto discreto nell’interpretare JFK, già era difficile trovare qualcuno di straordinaria somiglianza come Rickman e Reagan, ma Marsden è fin troppo giovane, non riesce a rendere la personalità del presidente leggenda, Minka Kelly, alias Jackie Kennedy, se ls cava un pochino meglio…

4° LYNDON JOHNSON

Nel tentativo di creare un contrappeso a Kennedy/Marsden, Liev Schreiber/ L.Johnson risulta addirittura antipatico; cani ovunque, persino in bagno…

5° RICHARD NIXON

E’ il punto più basso dell’intero film: Cusack (gli amanti del catastrofico lo ricorderanno come il protagonista di “2012” di R.Emmerich, 2009) non è neanche lontanamente simile fisicamente, ne tantomeno nella personalità, il suo atteggiamento annoiato non fa che gettare discredito e peggiorare la reputazione di Richie, evidentemente non bastava il Watergate…

Per finire Ford, Carter, i due Bush e Clinton, non hanno volto; fanno una breve comparsa Obama e sua moglie (una delle ultime scene è un party elettorale organizzato da Cecil e Gloria, altro che quelle robe nostrane…)

Breve cameo di Maria Carey

In breve: buona storia, buoni i personaggi a parte quei tre… sceneggiatura ok, discreta colonna sonora. E’ una buona occasione per conoscere un problema di cui tanto si discute, ma che ci sembra lontano anni luce. Da vedere.